Para hablar de profesionalización de proyectos musicales en Chile es necesario comenzar con una premisa: no es la falta de talento lo que dificulta su difusión, porque eso es algo que sobra en este país (y que me hace agradecer diariamente haber decidido dedicarme a este trabajo hermoso que es la promoción del arte y la cultura).
El problema radica en que muchos artistas musicales carecen de visión estratégica y tienen un exceso de ego que bloquea su crecimiento profesional. Por lo tanto, muchas iniciativas con proyección no pasan de ser más que un hobby caro, ya que dista mucho de ser sostenible como empresa.
De esto y otros temas conversamos en el capítulo 14 de Ministerio Imaginario, donde la periodista y escritora, Verónica Espinoza, expuso sus puntos de vista desde su experiencia personal de más de una década dedicada a la difusión de artistas emergentes y otros proyectos artístico-culturales.
Acá te resumimos cuatro aspectos clave de la conversación, los cuales te pueden resonar mucho si te cuesta hacer despegar tu proyecto musical.
1. Bájate del pony: El primer paso es delegar
Para Vero, el error más destructivo y repetido en la escena nacional es la soberbia. Muchos músicos operan bajo la falsa premisa de que pueden —y deben— hacerlo todo solos, tanto la gestión de prensa como el management, pero pero el resultado es que no los publican y/o terminan tocando por cervezas.
También está la soberbia de menospreciar a los medios por su tamaño, “me he topado con un par de bandas muy arrogantes, que miran por sobre el hombro los medios de comunicación más independientes (…) o creen que ellos son más importantes que otra persona”, comenta Vero.
El costo de esta actitud es alto: dinero botado y pérdida de credibilidad. Si no entiendes el rol del otro, estás condenando tu inversión al fracaso. Pastelero a tus pasteles reza el dicho.
El gestor de prensa o periodista profesional no solamente redacta y envía un comunicado, sino que actúa como un curador; un intermediario cuya responsabilidad es diseñar una estrategia y desarrollar una gestión personalizada para que tu hito se posicione en aquellos medios donde realmente tu canción va a llegar a la audiencia que necesitas.
2. Visión de empresa: El arte como inversión estratégica
Uno de los diagnósticos más crudos de la entrevista es la incapacidad del músico para asumir su proyecto como un negocio rentable. Mientras sonidistas, iluminadores, y productoras, viven de la música, el artista suele quedarse atrás por no verse a sí mismo como una empresa. La profesionalización proyectos musicales depende de dejar de hacer las cosas al azar o por mero instinto.
En la entrevista Vero nos cuenta que sus libros nacen de haberse dado cuenta de lo necesario que es entregarle a la escena musical, herramientas del mundo comercial traducidas al lenguaje cultural, como el Modelo Canvas para el diseño de negocio o el FODA para detectar debilidades internas antes de que el mercado las exponga. Asimismo, el uso de objetivos SMART (específicos, medibles, alcanzables, realistas y con tiempo definido).
“(…) hay un montón de cosas que existen hace mucho tiempo y no se están aplicando en el mundo de la música o no lo entienden los músicos, porque están en libros escritos por ingenieros para ingenieros. (…) por eso el “No leas este libro si para ti la música es un hobby”, es una guía y un manual básico, súper sencillo, así como con palabras muy simples”.
En esa misma línea, indica que es importante cambiar la semántica: dejar de hablar de «gastar plata» y empezar a hablar de inversión, por ejemplo. En otras palabras: entender que la actividad musical no prosperará sin una actitud profesional, pues la gestión y administración de un proyecto es tan importante como la composición y performance.
3. Narrativa sobre técnica: Construye tu mitología personal
Me encantaría decirte que lo mejor es la grabación, pero si uno se pone a revisar qué es lo que está sonando de música chilena, se encuentra con cosas que uno dice así como, ‘pero ¿cómo hicieron eso?’ O sea, es como… un par de botones y ya tenías una canción, o líricas que te dicen dos palabras y las repiten todo el tiempo y no hay un relato.
Así responde Vero cuando le preguntamos si es más importante la calidad técnica de una grabación o la propuesta conceptual de la campaña de promoción. Y la verdad es que no existe una fórmula única, pero sí destaca la relevancia que tiene el contar con un buen storytelling, una narrativa potente que conecte con la audiencia adecuada y la haga partícipe mediante la identificación con valores y relatos.
Casos como los de Mon Laferte o Lady Gaga demuestran que un relato potente —sea una historia de superación o una bandera contra el bullying— conecta de forma mucho más real que un imaginario ficticio inventado por el retail.
Entonces, el desafío para el músico actual, además de hacer que su propuesta musical suene original en un universo donde ya todo está inventado, es utilizar la narrativa para enganchar con un público que desea ser parte de la historia, no solo un espectador pasivo.
4. La ventaja competitiva del independiente
Vero comenta algo que siempre dice en sus charlas respecto de la gran oportunidad que un artista independiente tiene frente a otros que ya alcanzaron masividad. Se trata de la capacidad para articular comunidad de forma directa. Mientras las mega estrellas están aisladas por su fama, el músico que está construyendo escena tiene el privilegio de bajar del escenario y hablar con su audiencia.
“(…) te puedes bajar del escenario y puedes preguntarle a las personas qué les gustó y qué no les gustó tu show, hablar directamente del disco ‘¿qué canción te gustó? ¿Qué te pasa con esas canciones? ¿Cuándo tú escuchas mis canciones?’ ¿para hacer ejercicio, cuando tienes pena, cuando quieres bailar? Es bueno saber esa información. Y resulta que estos artistas mega famosos no pueden hacer eso, porque se bajan del escenario y les tiran el pelo, les roban la chaqueta, los zapatos, todo.
En cambio, tú tienes esa posibilidad de quedarse después del show, que es lo ideal, que se queden después del show en el bar, en el local donde están tocando y conversar con las personas”
Esta interacción permite obtener data real sobre qué canciones resuenan o en qué momentos el público consume su obra. Mediante este tipo de testeos directos, puedes encontrar información valiosa para alimentar futuras estrategias comunicacionales e incluso decisiones creativas. En consecuencia, aporta a la profesionalización de proyectos musicales.
Conclusión: para la profesionalización de proyectos musicales hay que dejar de romantizar tu precariedad
Aunque Hollywood nos quiera decir lo contrario, profesionalizar un proyecto musical no es un evento fortuito, es una decisión de gestión y fruto de un trabajo sistematizado. Para que tu música deje de ser un hobby caro y se convierta en una empresa sostenible, debes matar la soberbia y entender que delegar no es perder control, sino ganar calidad.
La visión de negocio es lo que permite que el talento no se diluya en la precariedad; sin inversión estratégica u objetivos inteligentes, tu disco se puede quedar guardado en un cajón; o peor aún, publicado y juntando polvo digital. Para evitarlo usa la narrativa, recuerda que tu mitología es el activo más valioso que tienes y la clave para que tu contenido corte el ruido digital.
Finalmente, no olvides tu mayor ventaja competitiva: la capacidad de articular comunidad cara a cara. La información que obtienes al bajar del escenario es la data más pura que existe; úsala para dejar de trabajar a ciegas.
La sostenibilidad del sector cultural depende de que cada artista se asuma como un motor profesional. Si quieres profundizar en el análisis técnico y los «golpes de realidad» que Verónica Espinoza compartió con nosotros, te invitamos a ver la entrevista completa en nuestro canal de YouTube. Hay conceptos ahí que pueden cambiar el rumbo de tu próxima postulación o lanzamiento.
